Lengua de Lava, el sello que creamos Enrique Rejón y yo, ya está finalmente activo. Ya tenemos sitio web (en construcción) y páginas de facebook y soundcloud. Así describimos el sello (en inglés):
Based out of Mérida, México, Lengua de Lava is a new label curated by Gerardo Alejos and Enrique Rejón.
We will focus on limited-edition physical releases documenting improvisational and experimental music projects in a variety of formats (CD, vinyl, cassette, DVD).
The name of the label comes from the classic José Martí prose poem “My poems”, from his 1891 book “Free Poems”, written while the Cuban master lived in New York City:
«Amo las sonoridades difíciles, el verso escultórico, vibrante como la porcelana, volador como un ave, ardiente y arrollador como una lengua de lava. El verso ha de ser como una espada reluciente, que deja a los espectadores la memoria de un guerrero que va camino al cielo, y al envainarla en el Sol, se rompe en alas.»
“What I love is the difficult sonorities, the sculptural line: vibrant as porcelain, airborne as a bird, scorching and devastating as a tongue of lava. A poem should be like a shining sword, leaving onlookers with the memory of a warrior bound for the heavens; when he sheathes his sword in the sun, it breaks into wings.”
We also run the Cha’ak’ab Paaxil improvisation festival in Mérida, México. The six consecutive annual editions of Cha’ak’ab Paaxil –which means «free song» or «free music», in Yucatec Mayan– have featured Burkhard Stangl, Paal Nilssen-Love, Sean Meehan, Bhob Rainey, Jason Lescalleet, Robert Piotrowicz, Alan Courtis, Bonnie Jones, Greg Kelley, Dennis González, Elliott Levin, John Blum, Chris Cogburn, and Reed Evan Rosenberg, among many other international artists, as well as the majority of the most remarkable Mexican improvisers.
Aquí un adelanto de nuestro primer release, Mara’s Daughters de Steve Flato, una joya de harsh noise wall con las sutiles variaciones armónicas de Eliane Radigue, que pronto saldrá en una edición en casete en 100 copias (con código de descarga digital):
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Y aquí un fragmento y una pieza completa del CD + DVD Intuición y resistencia, el primer disco como solista del decano del saxofón de free jazz en México, Remi Álvarez:
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¡Pronto más información sobre otros releases del sello!
El 2013 fue también un gran año para el metal extremo, particularmente para dos de las más consistentes y arriesgadas disqueras del underground metalero, Nuclear War Now! y Profound Lore, que vieron recompensadas con creces algunas de sus más importantes apuestas discográficas de los últimos años. En términos taxonómicos, abundaron los sólidos híbridos de death y black, por un lado en la vena cavern-core o murk-core como Antediluvian, Grave Upheaval, Mitochondrion o incluso Portal (a quienes vemos en la imagen a la izquierda), y por el otro en la vena más pulida e incluso barroca de Vhöl (por no hablar de la filigrana Mr. Bunglesca del black metal francés de Peste Noire, o el virtuosismo death-prog de Gorguts, etc.). Me pareció necesario incluir, además, las valientes exploraciones retro de Villains y Armour (ambas en NWN, como dijimos arriba uno de los sellos clave del 2013), y ni qué decir del que claramente fue EL RIFF DEL AÑO, el que abre «Entranced by the Wolfshook» del dúo suizo Bölzer.
2013 también fue un año interesante para el free jazz y la improvisación libre en general, como mencioné en la entrada anterior, y en el jazz destacaron tríos como Zebulon de Peter Evans y Ballister (integrado por Dave Rempis al sax alto, Fred Lonberg-Holm en el cello y Paal Nilssen-Love, quien aparece otra vez en la lista, a la batería), además de un cuarteto sin piano del contrabajista Adam Lane que representó quizás la última grabación sublime del trompetista Roy Campbell, fallecido en el 2013, más un dúo de guitarra y batería (de James Plotkin y nuestro incansable dínamo baterístico Nilssen-Love) que mezcla el free jazz con el noise rock, y por último un singular cuarteto del saxofonista alto David Binney, con un pianista tan idiosincrático como Craig Taborn tocando (ahora sí) jazz.
Y supongo que muchos coincidirán conmigo en que cualquier año que registre grabaciones tan disímiles pero igualmente MAGISTRALES como Yeezus y Doris es sencillamente un gran año en cuanto al hip hop. La obra maestra hasta la fecha de Kanye, no ha sido sólo el álbum de hip hop más ambicioso en años y el que contiene el sample más espectacularmente oscuro del 2013 –a partir del minuto 2:50 de «New Slaves», el riff principal de una rola de 1969 de Omega, banda de kraut rock húngaro, al que Kanye sobrepone la extática voz de Frank Ocean–, sino que fue el disco que me ha hecho dejar de odiar el auto-tune. De igual forma, Doris de Earl –que para mí incluye los versos más tight del año, en «20 Wave Caps», cortesía de Domo Genesis– es lo mejor que ha salido del colectivo Odd Future Wolf Gang hasta la fecha. Y esa balada de Drake, pfffff.
A continuación el resto de mi lista, una vez más en orden de preferencia:
Jazz y free jazz
1.- Peter Evans – Zebulon [More is More]
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2.- Ballister – Mi Casa Es en Fuego [autoeditado]
(Pueden oírse fragmentos de las piezas del disco en Squidco)
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3.- Adam Lane Quartet – Oh Freedom [CIMP]
(Pueden oírse fragmentos de las piezas del disco en iTunes)
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4.- James Plotkin & Paal Nilssen-Love – Death Rattle [Rune Grammofon]
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5.- David Binney – Lifted Land [Criss Cross]
(Pueden oírse fragmentos de las piezas del disco en CD Universe)
Metal (death, black, etc.)
1.- Antediluvian – Λόγος [Nuclear War Now!]
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2.- Vhöl – Vhöl [Profound Lore]
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3.- Peste Noire – Peste Noire [La mesnie herlequin]
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4.- Portal – Vexovoid [Profound Lore]
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5.- Grave Upheaval – Grave Upheaval [Nuclear War Now!]
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6.- Bölzer – Aura EP [Hell’s Headbangers]
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7.- Gorguts – Colored Sands [Season of Mist]
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8.- Villains – Never Abandon the Slut Train [Nuclear War Now!]
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9.- Mitochondrion – Antinumerology [Dark Descent]
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10.- Armour – Death Threat / No Heaven 7″ [Nuclear War Now!]
Algo tuvo el 2013 que lo convirtió en un lapso significativamente más sólido y notable para la música experimental grabada que el 2012, año que a pesar de cierta complacencia produjo obras trascendentales como Humid Weather de Kevin Drumm, Exotic Exit de Vanessa Rossetto, el impresionante disco doble Crosshatches de Michael Pisaro (a quien vemos en la imagen a la izquierda) y Toshiya Tsunoda, el casete At the End of an Endless Stream de Reed Evan Rosenberg –una de las obras cumbres de la improvisación por computadora del nuevo siglo[1]– y el también opus doble Songs about Nothing de Jason Lescalleet (mis cinco discos favoritos del 2012, en el orden mencionado)[2].
Como aún recordaremos algunos aficionados a la música experimental, enero del 2013 detonó con una temprana dupla de releases del compositor californiano Michael Pisaro que nos dejaron perplejos –cada uno a su modo– y marcaron la pauta a seguir el resto del año en cuanto a calidad y belleza deslumbrante. Y así, mes a mes o incluso –a fines del año– semana tras semana, aparecían grabaciones nuevas (donde participaba con frecuencia el percusionista Greg Stuart, quizás el MVP del 2013, a quien vemos en la imagen a la derecha) repletas de misterio, profundidad, ruido ensordecedor y sonidos ambientales tanto de la naturaleza –desde el viento meciendo lánguidamente árboles frutales en Grecia hasta la cacofonía de una manada de cerdos en Irlanda– como urbanos –desde las estrepitosas vibraciones de un vagón de tranvía en Japón hasta los anuncios robotizados de estaciones de metro o la insistente sirena de una patrulla de policía en algún lugar de Estados Unidos–.
Algunos de estos discos se caracterizaron por entender la improvisación como un medio más para organizar el sonido y otros fueron hechos por artistas que gozaron al estirar las definiciones de composición y compositor para crear sorprendentes efectos de dislocación sonora, así como un incesante y cautivador desafío a los sentidos (en plural). A continuación mi lista, en orden de preferencia:
Arte sonoro, música electroacústica, improvisación libre y noise
1.- Michael Pisaro & Greg Stuart – Closed Categories in Cartesian Worlds [Gravity Wave]
Cuando uno pensaba que The Punishment of the Tribe by its Elders sería no sólo el mejor disco del año de Pisaro sino el mejor disco del año en general, llegó esta bomba sonora a finales de noviembre a limpiar tímpanos y remover conciencias con su severo rigor. El percusionista Greg Stuart se grabó tocando crótalos[3] con un arco –gesto sonoro que por sí mismo produce tonos metálicos caleidoscópicos, catalogados minuciosamente por el compositor en su partitura–, a lo que Pisaro superpuso tonos senoidales (sinewaves) agudos basados en cierta misteriosa lógica geométrica que desafía la percepción del oyente y causa un aparente efecto cuadrafónico. La suma del trabajo percusivo de Stuart –de por sí un portento de concentración y de austeridad– con la radical simpleza y escalofriante simetría de las frecuencias de Pisaro, alcanza niveles de destrucción auditiva que hacen recordar el efecto de ciertos discos favoritos de toda la improvisación electroacústica como Do de Toshimaru Nakamura y Sachiko M, así como las colaboraciones más imperecederas de Keith Rowe con improvisadores japoneses (como Erstlive 005, con Sachiko, Nakamura y Otomo Yoshihide; Contact, su magistral dueto con Sachiko; o incluso Between, también a dúo con Toshimaru Nakamura)[4]. Closed Categories… pertenece tanto como The Punishment of the Tribe… o la gloriosa serie Hearing Metal –piezas para cimbales y diversas percusiones metálicas tocadas mayormente con arco por Stuart– al linaje de obras ásperas, densas y oscuras de Pisaro, que representan un espléndido contrapunto a sus obras con mayor contenido melódico como July Mountain, sus exquisitas colaboraciones con Taku Sugimoto (como 2 Seconds/B Minor/Wave, del 2011) y Antoine Beuger (This place/Is love, también de este año) o su trabajo con la forma de la canción tradicional en Tombstones.
Cuando parecía que Michael Pisaro dominaría inexorablemente los dos primeros puestos de ésta y posiblemente muchas listas de fin de año, llegó –literalmente a unos días de que terminara el 2013 y una o dos semanas después de que fuera editado Closed Categories…– otra nueva obra cumbre de la la psicoacústica con la (¿previsible?) participación del maestro japonés de las grabaciones de campo, la hidrofonía y la dislocación sonora Toshiya Tsunoda. Haco, a quien los aficionados al art-pop japonés recordarán del trío femenino Hoahio (con varios discos en Tzadik, al igual que su otro trío más experimental Synapse, con Ikue Mori y Aki Onda), utilizó un sistema que denomina “bichoscopio estéreo”[5] para registrar las vibraciones del suelo y otras superficies del interior de un vagón del tren ligero de la línea Hankai de Osaka –como describen las notas– acompañada por Tsunoda, quien utilizó un estetoscopio y un sensor piezoeléctrico de cerámica. No obstante, la verdadera maestría de este disco reside en la forma en que Tsunoda y Haco reconstruyeron y recontextualizaron (creemos) las grabaciones, evitando clichés previsibles del género, inyectando misterio y enfatizando mediante ruidosos arrebatos la artificialidad del mundo sonoro que rodea a quienes vivimos inmersos en la mancha urbana. Como dice Brian Olewnick en su reseña, “llamar [a esta grabación] un field recording sería innecesariamente limitante”, debido a la forma en que “se esculpen estos sonidos, moldeándose en una matriz de gran profundidad, sensualidad y presencia”. Haco supera aquí –con creces– todo lo que he escuchado de su variada discografía (incluyendo su anterior disco con el “bichoscopio estéreo”, Stereo Bugscope 0.00, que ganó el Prix Ars Electronica del 2005), mientras que Tsunoda continúa con su racha triunfadora de los últimos años (incluido otro disco en esta lista).
– – – 3.- Michael Pisaro – The Punishment of the Tribe by its Elders [Gravity Wave]
Apenas llevaba una semana el mes de enero de 2013 cuando Jon Abbey anunció en Facebook un par de nuevos discos del sello Gravity Wave, dedicado a la obra de Pisaro. Mientras que The Middle of Life (Die ganze Zeit) es un colosal ejemplo de poesía sonora –de lo mejor que uno ha escuchado hasta la fecha en este campo– basado en textos del poeta alemán Oswald Egger (y con la crucial participación de la cantante y compositora Julia Holter), The Punishment of the Tribe by its Elders es quizás la pieza más alejada de la estética del colectivo Wandelweiser que ha compuesto Pisaro hasta la fecha[6]. Con un título que recuerda a las historias de horror cósmico de Lovecraft, citas de la poesía de Edgar Allan Poe –y su interpretación por Mallarmé– y samples de Black Sabbath y los Rolling Stones (curiosamente, muy difíciles de identificar), la composición comienza con un zumbido de frecuencias graves que poco después dan lugar a una lectura de un texto en francés seguida de una grabación de campo de lluvia torrencial –que singularmente recuerda a Humid Weather, el discazo de Kevin Drumm del 2012– donde la voz de una joven o niño dice despreocupadamente “It looks like we’re in Texas” (aunque las notas del disco nos informan que la grabación se registró en Neufelden, Austria) seguida de lo que parece ser estática de radio. Sin embargo, la pieza avanza a través de distintos movimientos separados por silencios, apareciendo más adelante (en un momento particularmente sobrecogedor) la guitarra eléctrica de Pisaro, con la simpleza y fineza de tono de maestros de la improvisación minimalista y elegante como Burkhard Stangl. Otro disco imprescindible de un compositor e improvisador que se resiste a ser definido con facilidad.
– – – 4.- Olivia Block – Karren [Sedimental]
Desde que mi hermano californiano Darren DeMonsi me grabó hace algunos años las sublimes composiciones Pure Gaze y Heave To de Olivia Block (ambas editadas en Sedimental, en 1999 y 2006), he tratado de prestarle atención a todo lo que edita esta pianista, compositora e improvisadora electrocústica de Chicago. Tras una interesante colaboración con Greg Kelley en el 2011 (Resolution, editada por Erstwhile), Block regresa con un LP por momentos maximalista, vertiginoso y con toques estridentes, acompañado por grabaciones de campo ordenadas con una lógica fascinante (desde lo que parecen voces de obreros con walkie-talkies hasta los sonidos de una orquesta afinando antes de un ensayo) y los profundos drones de raigambre Radigueana con que se le suele identificar. Karren es una extraordinaria unión de composición electroacústica, música de cámara del siglo XX (especialmente en el lado B, en donde se nota el linaje de Ligeti o incluso Nono), field recordings e improvisación tímbrica.
– – – 5.- Antoine Beuger & Greg Stuart – Sixteen Stanzas on Stillness and Music Unheard [L’Innomable]
En términos técnicos, esta composición consiste en “16 vibráfonos tocados con arco (…) en donde el intérprete debe tocar tonos sostenidos dentro de un pequeño rango de variaciones tonales (p. ej., un semitono más arriba o más abajo que el tono escrito) que se pueden colocar en cualquier octava”. En términos descriptivos, lo que se escucha son etéreas y efímeras nubes sónicas que sugieren el eco de melodías que el viento trae desde la distancia, como si en lugar de ser tocadas con arco las láminas del vibráfono (que, al igual que los crótalos tocados con arco que Stuart grabó para Closed Categories…, seguramente producen un caleidoscopio de tonos metálicos por sí mismas) fueran tocadas con un e-bow, o mejor aun, fueran sopladas por un ventilador que poco a poco las va haciendo resonar. Beuger siempre ha parecido ser el compositor de Wandelweiser más preocupado con el contenido melódico, y de sus admirables discos editados en el 2013 (incluyendo el ya mencionado dúo con Pisaro, This place/Is love, al igual que los interesantísimos Dedalus y Cantor Quartets, editados por Erstwhile, Potlatch y Another Timbre, respectivamente), éste fue mi predilecto.
– – – 6.- Patrick Farmer & David Lacey – Pictures of Men [Copy for your Records]
Este casete editado en el sello del improvisador estadounidense Richard Kamerman tiene el inicio más distintivo de todo el 2013: el esplendoroso estruendo de una granja de gansos y cerdos en plena actividad, acompañado por súbitas irrupciones de tonos senoidales agudos (más al estilo de Sachiko M que de Klaus Filip o Pisaro) y de lo que suena como violentos gestos percusivos de instrumentos metálicos o de cuerdas –al estilo de Will Guthrie y su seminal Spear, pero de forma más espaciada y con un ritmo más pausado–. Posteriormente, la pieza va dejando atrás los sonidos de la naturaleza cautiva y se concentra en sonidos industriales manejados con un ritmo verginoso –que recuerda, no sólo al ya mencionado Guthrie, sino al dúo Cremaster, de Alfredo Costa-Monteiro y Ferrán Fages, y a ciertas grabaciones del francés Pascal Battus–, que rematan con un profundo drone de frecuencias graves que se extiende hasta el final de la grabación. Como dice de nuevo Brian Olewnick en su reseña, dentro del subgénero de las grabaciones de campo abunda el sonido de insectos, ranas y pájaros (e incluso el de los perros), por lo que el uso de gansos y cerdos como material sonoro constituye un toque lúdico y visceral de un disco que sacude y refresca.
– – – 7.- Ákos Rózmann – Images of the Dream and Death [Ideologic Organ]
Mi “descubrimiento” hace algunos años del compositor húngaro Ákos Rózmann coincidió cronológicamente con mi hallazgo de otro maestro de la composición electroacústica, el francés Jean-Claude Éloy. No obstante, mientras que Éloy me aniquiló de inmediato con sus obras cumbres Shanti y (sobre todo) Gaku-No-Michi, Rózmann no me había causado un efecto similar sino hasta la aparición de este LP triple –en la serie Ideologic Organ de Mego, dirigida por Stephen O’Malley–, una impresionante composición en tres movimientos interpretada en un sintetizador Buchla de la academia oficial de música de Estocolmo de 1974 a 1977, antes de que Rózmann se convirtiera en el organista de la principal catedral sueca en 1978 (y posteriormente falleciera en el 2005). El compositor plasmó sónicamente una batalla épica entre las fuerzas del bien y el mal, y en el primer movimiento podemos escuchar representaciones sonoras bastante literales de esas fuerzas (gruñidos, ruidos estrepitosos, llantos, campanas), mientras que el segundo movimiento, más sereno, permite la representación de otros elementos simbólicos como la tierra, el agua y el movimiento de la energía. Finalmente, en el tercer movimiento regresa el caos de la batalla épica de la primera parte, y el bien parece estar representado por el sonido distante de campanas, mientras que el mal sonaría como un violento tamborileo metálico o un golpeteo constante de bloques de madera. Fieles de Blake, Lovecraft o Crowley –por no hablar de Kurosawa o hasta Game of Thrones–, no dejen pasar esta obra impresionante.
– – – 8.- Pharmakon – Abandon [Sacred Bones]
Al igual que Pictures of Men de Farmer y Lacey, Abandon tiene el inicio más representativo del 2103. Mientras que el dúo irlandés comienza su disco con los gruñidos de una manada de cerdos y gansos, la última grabación de Margaret Chardiet arranca con un grito de banshee black metalera cuya reverberación queda aparejada con frecuencias distorsionadas que dan lugar a golpes percusivos como de tortura o autoflagelación medieval y a la recitación de lamentos por parte de Chardiet, ya plenamente en un contexto de noise con marcados ritmos repetitivos –al parecer carente de improvisación e influenciado por la música industrial de los 80– en el que Pharmakon se maneja. Originalmente consistente en un LP de cuatro piezas, con poco más de 25 minutos de duración en total, la versión digital incluye una pieza adicional de 27 minutos que permite que la artista neoyorquina despliegue con mayor paciencia su arsenal de gritos y líneas de bajo distorsionadas. Además de ser una de las ruidistas más importantes de los últimos 2 o 3 años, Chardiet también ha dado una de las opiniones más frescas en épocas recientes sobre el cuasi tabú tema de la atroz disparidad de género en la improvisación y música experimental; en sus propias palabras: “[el hecho de que la escena de noise esté dominada por el género masculino] no es algo en lo que pienso mucho. Ha habido mujeres que hacen noise desde los 80. Es una escena dominada por hombres pero no más que cualquier otra escena. (…) Si lo único que puedes captar [de mi música] es algo tan superficial como el hecho de que soy una mujer que hace noise, eso me lleva a pensar que no estás escuchando con atención”[7].
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9.- Devin DiSanto – Tracing a Boundary [Task]
Esta sorprendente grabación representa una aportación original a lo que ya se está llamando universo sonoro “post-Wandelweiser” y “post-Unami”. Masterizado por Joe Panzner[8], el disco consiste en una interpretación de una pieza de DiSanto por parte de un sexteto de músicos de Chicago (Jess Turner, trompeta; Jeff Smith, trombón; el propio DiSanto al clarinete bajo; Dan Lis, guitarra; Dan Letourneau, también a la guitarra; y Max Wanderman, ukelele), aunque los instrumentos utilizan la mayor parte del tiempo técnicas extendidas similares (el sonido del aire respirado a través de los tubos, en el caso de los metales, y preparaciones percusivas en el caso de las cuerdas). Parece también haber una diversidad de grabaciones de campo de sonidos domésticos (cajas moviéndose, gente caminando sobre un piso de madera), que se combinan con tonos senoidales agudos insertados discretamente en ángulos oblicuos (al estilo, nuevamente, de ciertas piezas de Pisaro basadas en grabaciones de campo como Transparent City) y con los anuncios grabados de una voz que lee tiempos distintos de modo aleatorio –y la cual uno supone, freudianamente, que es la voz del compositor–, con un efecto que confunde al oyente hasta que éste logra acostumbrarse. Una música que comparte tanto el profundo sentido de misterio de las piezas más exitosas de Wandelweiser como la sensualidad lúdica de la música más reciente de Taku Unami, añadiéndole a esas influencias una rudeza y una desfachatez casi punk que recuerda a I Don’t Want to Live Forever, la seminal grabación de Greg Kelley del 2005.
– – – 10.- Burkhard Stangl – Unfinished: For William Turner, Painter [Touch]
Además de ser un pintor nacido en el siglo XVIII que se caracterizó por técnicas innovadoras y radicales para su época, Turner fue un hombre cuyas últimas palabras en el lecho de muerte fueron: “El sol es Dios”. Conformado por tres piezas ejecutadas con guitarra eléctrica –característicamente elegante y con un uso devastador del trémolo y de los armónicos producidos por su Gibson SG vintage–, así como cintas y grabaciones de campo, el primer disco de Stangl para Touch nos recuerda (más que a las pinturas de Turner) a la serie de pinturas sobre el mar de Gerhard Richter, como sugiere la portada del disco. Unfinished incluye tres composiciones, la primera de las cuales –que causa un impacto inmediato– se deriva de la pieza para tres cítaras “Mellow (My Feldman)” que se incluye en la ejemplar caja del 2011 Hommage á Moi. Con un título de disco que sugiere que las composiciones son borradores inconclusos, al igual que los últimos lienzos de Turner, Stangl produce drones que lo acercan –y, se podría argumentar, superan con creces– al trabajo accesible y poético de guitarristas/compositores como Fennesz –quien de hecho fue el ingeniero de grabación de una pieza de Unfinished– y Oren Ambarchi, aunque en términos estrictos ambos deberían considerarse discípulos suyos. El viejo maestro del Danubio nos hechiza de nuevo.
– – – 11.- Toshiya Tsunoda – ο κόκκος της άνοιξης (O kokos tis anixis – Grains of Spring) [Edition.T]
En el mes de febrero del 2013, Michael Pisaro recomendó este disco en Facebook y lo describió como “…el desafío más radical a la percepción temporal que he encontrado en años. Alterna entre el flujo y la granularidad (o encapsulamiento) del tiempo en un modo hermoso que desorienta. Parece aprehender de forma aleatoria ciertos momentos de la grabación de campo, repitiéndolos en un bucle. Uno empieza a sentir que quizás nunca saldremos del bucle, pero súbitamente regresa la grabación ambiental y de nuevo nos proyecta al futuro. Un concepto impactante que debe escucharse con detenimiento”. Poco puedo añadir a una descripción tan cálida y perceptiva, más que reiterar que Tsunoda es un verdadero poeta de las grabaciones de campo y un artista que utiliza el material sonoro de la naturaleza con plena libertad para sus fines composicionales. Con nombres de piezas que parecen pequeños haikús, como “Los sonidos de las pequeñas frutas que caen al césped cuando el viento agita el árbol” o “El sonido de las cenizas y las brasas que crepitan en la fogata construida por el pescador”, O Kokos… constituye una rigorosa exploración de las propiedades acústicas de espacios abiertos, mediante loops que por momentos hacen pensar que nuestro CD vino defectuoso y con una intención similar a lo que ciertos filósofos griegos de la era antigua se referían cuando afirmaban que el mundo consiste en “una serie de granos de espacio y tiempo”. De los dos soberbios discos dobles de Tsunoda que aparecieron al mismo tiempo en el sello japonés Edition.T (el otro fue The Temple Recording), éste será sin duda el más imperecedero.
Uno de los casetes más bellos y originales de 2013 perteneció a este músico de Minnesota –a quien sólo conocíamos por sus notables drones de sintetizador– en la forma de un sorprendente tributo a la cantante de folk Karen Dalton. Utilizando un banjo (por momentos tocado en la forma tradicional, con plumilla, y en otros tocado con arco o e-bow) y suponemos algún sintetizador, McLaughlin crea atmósferas nostálgicas cargadas de melancolía, no muy distantes del efecto ritual creado por los ragas en guitarra acústica de artistas de folk oscuro y psicodélico como John Fahey y Steffen Basho-Junghans. Cuando aparecen ciertas melodías de banjo al estilo tradicional, McLaughlin las acompaña de tonos metálicos y frecuencias que se desvanecen y crean un efecto como de escena final de un Western retrofuturista triste y fantasmagórico, hasta que las frecuencias se salen de control y se libera de forma cíclica una masa de ruido electrónico y percusiones metálicas.
– – – 13.- Kevin Drumm – Earrach [autoeditado]
A comparación de su prodigiosa producción[9] del 2012, el 2013 nos presentó a un Drumm más reflexivo y mesurado, al menos hasta su explosiva ráfaga de finales de año que amerita un artículo propio. Earrach es un CD-R doble construido utilizando casetes variados, cuatro reproductores de casete y computadora. Con un título que seguramente es un guiño al sello británico de death metal Earache, la grabación consiste en tres piezas –una de ellas de poco más de 40 minutos, que ocupa un disco, y las otras de alrededor de 20 minutos, concluyendo el segundo disco con una grabación ralentizada de un monólogo absurdo sobre, of all things, Star Trek– construidas con lo que parecen ser básicamente loops de cinta manipulados para crear texturas abrasivas similares a las que caracterizan a su frecuente colaborador Jason Lescalleet, a pesar de que el contenido emocional del disco no es mayoritariamente agresivo, como uno podría esperar por el título. Quizás el disco más memorable del 2013 de la aparentemente imparable serie Drummiana de grabaciones autoeditadas.
– – – 14.- Lucio Capece – Less is Less: Music for Flying and Pendulating Speakers [Intonema]
La impresionante grabación de este improvisador y artista sonoro argentino radicado en Europa, que también ha mantenido en los últimos años una racha discográfica de calidad envidiable, consiste en dos piezas cuya descripción es esencial para discernir el contenido sonoro. Sobre la primera pieza, Capece explica: “…grabé el sonido de la catedral de Berna el día anterior de la presentación al poner un micrófono dentro de tubos de cartón de diferentes dimensiones. La resonancia dentro de los tubos producía cierta tonalidad en las grabaciones, y después construí una especie de melodía extendida con esas tonalidades. [Tras seleccionar frecuencias específicas del espectro armónico de dichas tonalidades y realizar un análisis espectral de las grabaciones], reproduje dichas frecuencias mediante ondas senoidales transmitidas por tres bocinas inalámbricas que colgaban de tres globos de helio de 90 cm de diámetro”. A esto sumamos una paciente exploración de largos tonos agudos del saxofón soprano de Capece, mientras que la segunda pieza consiste –de forma relativamente más sencilla– en ondas senoidales en tres sistemas de afinación distintos (temperamento igual de doce tonos, entonación justa y la escala heptatónica pitagórica) producidas por dos péndulos, acompañadas del feedback y el ligero delay causado por una tercera bocina también ondulante. Una triunfal pieza de arte sonoro que nos hace envidiar a quienes la han experimentado en directo.
– – – 15.- Nick Hennies – Flourish [Consumer Waste]
El percusionista, compositor e improvisador texano Hennies –quien junto con Greg Stuart y Tim Feeney conforma el formidable y ritualista trío percusivo Meridian– presenta en este CD-R ya agotado una composición en seis partes para dos intérpretes de un msmo vibráfono, con ciertas reminiscencias de los experimentos melódicos percusivos de Steve Reich o de Alvin Lucier, basada en repeticiones de lo que el compositor describe como “bloques de sonido estacionario”. Mediante la obsesiva reiteración de motivos rítmicos a un tempo furioso, y su contraposición con segmentos lentos en donde parece que el vibráfono se toca con arco –como hace Greg Stuart en Sixteen Stanzas… de Beuger–, Hennies crea nubes sonoras con timbres metálicos que, como las llama Patrick Farmer, son un “despliegue admirable de disciplina” en las que “uno puede casi escuchar cómo Hennies aprieta los dientes” para crear estos notables destellos auditivos.[10]
– – – 16.- Graham Lambkin & Jason Lescalleet – Photographs [Erstwhile]
Este disco doble representa el final de la trilogía dedicada a sonidos domésticos del día a día –iniciada con el sublime y bucólico The Breadwinner, del 2008, y continuada con el más opresivo y con leves tintes de sociopatía suburbana Air Supply, del 2010– con que Lambkin y Lescalleet seguramente pasarán a la historia de la música experimental del siglo XXI. Mientras que Breadwinner y Air Supply se especializaban geográficamente en sonidos localizados de zonas suburbanas del noreste norteamericano, donde ambos músicos residen, Photographs representa una exploración más ambiciosa de los mementos sonoros de diversos momentos de las vidas de Lambkin y Lescalleet, en donde abundan las grabaciones de voces con grueso acento inglés, incluida una misa con sermón y coro (representando la infancia de Lambkin) y otras, registradas por Lescalleet, con un marcado acento de Nueva Inglaterra (como una conversación grabada mientras algunos familiares limpian o reparan lo que parece ser un pequeño bote pesquero). Con un contenido emocional que por momentos recuerda a The Pilgrim, que Lescalleet dedicó hace algunos años a su recién fallecido padre, o al seminal Salmon Run –disco con que Lambkin se reinventó como compositor/improvisador electroacústico hace algunos años–, Photographs suena como un rompecabezas de miles de piezas a comparación del impacto directo que causaban de modo inmediato sus dos predecesores.[11] Ya el tiempo le hará justicia a esta ilustre trilogía de Lambkin y Lescalleet.
– – – 17.- Diatribes – Augustus [INSUB.]
Diatribes es un dúo suizo centrado en la improvisación y composición electroacústica, formado por el percusionista Cyril Bondi –especializado en el uso de tom de piso con preparaciones– y el laptopista D’Incise. Esta pieza, masterizada por el también improvisador y compositor italiano Giuseppe Ielasi, inicia con diversos sonidos percusivos que se repiten para proporcionar un sentido de narrativa con una paleta sonora muy amplia: sonidos como de castañuelas o campanillas se mezclan con tonos sostenidos resultantes de la vibración continua del tom de piso –al estilo de nuestro amigo Chris Cogburn, quien se presenta en México con frecuencia– y también se escuchan cimbales tocados con arco o rayados con algún objeto, una clave de madera recurrente, un gong e incluso algo parecido a unos engranes o una cadena que se arrastra por el suelo. Si ésa es la aportación del percusionista Bondi, corresponde a D’Incise el diseño de la estructura general de la pieza mediante drones, frecuencias y gritos y susurros loopeados que se contraponen con una cierta influencia de compositores como Luc Ferrari o, quizás, Jean-Claude Éloy[12], lo cual no es elogio menor.
A mediados del 2012, el productor Jon Abbey anunció la creación de ErstAEU, un subsello de Erstwhile dedicado exclusivamente a la obra de jóvenes improvisadores y músicos experimentales estadounidenses. De los tres primeros discos del subsello –que incluyen el sólido Dystonia Duos de Joe Panzner y (una vez más) Greg Stuart, así como el lúdico Sinter de Anne Guthrie y Richard Kamerman, éste influenciado por obras clave de la dislocación y confusión sónica del siglo XXI como Motubachii de Annette Krebs y Taku Unami o Teatro Assente de Unami y Takahiro Kawaguchi– Touching, que parecía el más tradicional de los tres a la primera escucha, resultó finalmente el más memorable, con una combinación de paciencia y anarquía que recuerda al dúo English de Joe Foster y Bonnie Jones, y con un trabajo de Stephenson a la trompeta que demuestra un control y un ataque influenciado por los mariscales alemanes de la trompeta como Axel Dörner y Birgit Uhler, mientras que los electrónicos lo-fi de Zarzutzki ofrecen una expresividad y un lenguaje similar al del eje de improvisadores coreanos agrupados en Ballon & Needle (Choi Joonyong, Hong Chulki, Ryu Hankil, Jin Sangtae, etc.).
– – – 19.- Klaus Filip & Dafne Vicente-Sandoval – Remoto [Potlatch]
El vienés Filip, quien junto con Sachiko M (o aun más que esta, quizás) es el improvisador que más ha limitado su paleta a las ondas senoidales o sinewaves, hace gala en esta grabación del mismo sentido de paciencia y lógica sonora que se desenrolla tersamente en Imaoto, su colaboración de hace algunos años con el zar ultraminimalista del trombón, Radu Malfatti. El trabajo de la fagotista franco-española Vicente-Sandoval resulta aquí un complemento perfectamente calibrado a las frecuencias creadas por la laptop de Filip, usando una paleta exclusivamente compuesta por técnicas extendidas como la respiración y el movimiento de la saliva a través de los tubos de su instrumento, los clics de las teclas del mismo y los ocasionales armónicos, multifónicos e incluso alguna que otra nota “limpia”. Consistente en dos piezas masterizadas por el veterano ingeniero sonoro Christoph Amman –una de las cuales fue grabada en el estudio de Amman y la otra en una iglesia de Nickelsdorf– Remoto es un fantástico ejemplo de microimprovisación contemporánea.
– – – 20.- Taku Sugimoto & Moe Kamura – Live at Saritote [Ftarri]
La más reciente colaboración de nuestro héroe ultraminimalista japonés con la cantautora Moe Kamura consiste –como nos tienen ya acostumbrados– en canciones cortas ejecutadas de modo tradicional, con la voz susurrante de Kamura y la guitarra melancólica –así como la voz– de Sugimoto, aunque en esta ocasión grabadas en vivo en foros como Issue Project Room de Nueva York y Kid Ailack Hall de Tokio, y con el acompañamiento en algunas piezas de las percusiones de Takeshi Ikeda, la trompeta de Masafumi Ezaki y la flauta de Mitsuteru Takeuchi. De las tres grabaciones realizadas hasta la fecha por el dúo Saritote, ésta –masterizada por Taku Unami con la colaboración de Sugimoto y Kamura– es la más lograda y grácil.
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[1] Junto con Clearing, Polluted de Joe Panzner (2011), Sun Pandämonium (2003) y Speculative Solution (2011) de Florian Hecker y ciertos discos de Marcus Schmickler, incluida su poderosa colaboración del 2007 con Peter Rehberg bajo el nombre R/S, titulada One (Snow Mud Rain).
[2] Redondearon mi lista de discos favoritos del 2012, de la 6ª a la 10ª posición: September, el impresionante recital en vivo de Keith Rowe grabado en el aniversario de los ataques del 11 de septiembre; el impenetrable ∩ de Marc Baron; Messier Objects, del cuarteto all-star conformado por Klaus Filip, Toshimaru Nakamura, Andrea Neumann e Ivan Palacký; la monumental caja de 6 CDs Wandelweiser und so weiter, editada por el inigualable sello inglés Another Timbre y, por último, The Back Room de Kevin Drumm.
[3] Pequeños platillos de bronce que suelen amarrarse a los dedos y tocarse entrechocándose entre sí, comunes en la música de Turquía y de la India.
[4] De igual forma, este disco representa una de las exploraciones psicoacústicas más exitosas de la música académica, del linaje de I Am Sitting in a Room de Alvin Lucier o incluso la descomunal serie Sound Characters de Maryanne Amacher.
[5] Definido como un “sistema que detecta los sonidos oscilantes emitidos por los circuitos de dispositivos electrónicos, y que también significa el acto de escuchar el mundo electromagnético que emerge del interior de dispositivos como computadoras, celulares y ruteadores inalámbricos”, consiste básicamente en el uso de dos micrófonos inductivos (pastillas) sobre diversas superficies, véase: http://www.japanimprov.com/imjlabel/523/
[6] Junto con Ricefall (2), la avasallante pieza con que Pisaro y Greg Stuart dieron inicio al sello Gravity Wave, The Punishment of the Tribe… es seguramente la pieza con mayor volumen (en decibeles) que haya publicado Pisaro.
[8] Quien, además de participar como músico en Dystonia Duos con Greg Stuart, también realizó un superlativo trabajo de masterización de varios discos aquí mencionados –algunos de ellos con Greg Stuart– como The Punishment of the Tribe… y Closed Categories… de Pisaro, Hoquet de Meridian, Sixteen Stanzas… de Beuger, etc.
[9] En un año que culminó discográficamente con el inmortal Humid Weather, Drumm también produjo The Back Room, I Have a Computer/Blast of Silence o el LP Relief, entre las múltiples joyas del año más prolífico y espectacular que ha tenido nuestro héroe de Chicago. Para más referencia, léase el artículo de Mark Flaum: http://surround.noquam.com/recreational-panic/
[10] Hennies también editó otro disco solista en el 2013, Duets for Snare Drum, y participó en otros discos notables del año como la interpretación de piezas del compositor Kunsu Shim titulada Love (junto con Greg Stuart), así como en Hoquet del ya mencionado trío Meridian.
[11] Incluso, se podría decir que, junto con Images of the Dream and Death (y quizás Karren), éste es el disco más ambicioso en términos de envergadura de esta lista, ya que los 17 discos restantes consisten básicamente en close-ups minuciosos de una técnica sonora en particular o de una área reducida de la improvisación contemporánea.
[12] También recomiendo ampliamente la composición solista de D’Incise De viribus electricitatis in motu musculari, igualmente del 2013 y disponible en descarga gratuita en: http://www.reductivemusic.com/
Larva llama 